Image: Back To The Future Trilogy - 1985

Especial: 35 Años de “Volver al Futuro”

Por Luis Díaz.

Mall Twin Pines. Hill Valley, California, sábado 26 de octubre de 1985, 1:35 AM: Escapando de unos terroristas libios, Marty McFly, de 17 años se sube en el auto Delorean de su amigo, el doctor Emmett Brown y, al alcanzar las 88 millas por hora, activa el condensador de flujos del vehículo y con un destello termina sano y salvo… pero en el Hill Valley de 1955, a las 6: 15 AM, y en la granja de Otis Peabody. Involuntariamente, Marty se ha convertido en el primer viajero (humano) en el tiempo.

Este 3 de julio, “Volver Al Futuro”, dirigida por Robert Zemeckis, cumple 35 años. Nada de mal para una película que se demoró varios años en producirse. De hecho, al comienzo nadie sospechó que se convertiría en un éxito instantáneo, menos que sería una de las favoritas del público en todo el mundo y un tremendo objeto de culto hasta el día de hoy, seguida por dos películas más, una serie animada, novelas, cómics, etc.

El guión, creado por Zemeckis y su partner Bob Gale, se originó a partir de una mirada que Gale le dio al anuario escolar de su papá. Gale se preguntó si, de haberse conocido a la misma edad, habrían sido amigos o no, y desde ese punto la historia comenzó a tomar forma. La historia de un adolescente contemporáneo que viaja en el tiempo, conoce a sus padres, y por accidente su mamá se enamora de él, era una idea entretenida y atractiva, pero el guión no entusiasmó a ningún estudio ni productor (Disney la rechazó por sus matices pseudo-incestuosos), salvo Steven Spielberg, quien quería producir material bajo el alero de su flamante productora Amblin.

Zemeckis y Gale tuvieron aprensiones sobre trabajar con Spielberg, ya que ninguno de sus trabajos con él («Beatlemanía», «Coches Usados», «1941») fueron éxitos de taquilla, y terminaron rechazando la oferta de Spielberg. Recién en 1984, cuando dirigió la exitosa «Dos Bribones Tras la Esmeralda Perdida», Zemeckis se convirtió en un director de primera línea, y las compañías se peleaban por producir «Volver al Futuro» Sin embargo, Zemeckis decidió unirse a Spielberg, la única persona que le tuvo fe desde el comienzo, y la producción comenzó en conjunto con Universal.

El tema del reparto tampoco fue fácil. Para el papel de Marty McFly, la primera opción siempre fue Michael J. Fox, pero el actor no estaba disponible por estar filmando la comedia «Lazos Familiares» y el papel de Marty fue asignado a Eric Stoltz, quien alcanzó a filmar casi la totalidad de su metraje, aunque no era lo suficientemente histriónico. Johnny Depp y John Cusack también habían postulado al papel. Eventualmente, Fox recibió el permiso para filmar «Volver al Futuro» durante las noches y fines de semana, y Stoltz fue liberado.

El rol del Doc Brown había sido escrito para John Lithgow, pero tampoco estaba disponible. Otra opción fue Jeff Goldblum, y finalmente el papel fue asumido por Christopher Lloyd. Paradójicamente, Lloyd rechazó el papel y solo aceptó tras presiones de su esposa. Hoy en día no podríamos pensar en un mejor actor para el personaje: Lloyd y el Doc son casi sinónimos.

De haber comenzado con Fox desde el principio, el papel de Biff sería para J.J. Cohen, que era más alto que Michael. Sin embargo, tras el casting de Stoltz, el rol le fue dado a Thomas F. Wilson, y Cohen terminó en el papel de Skinhead, un miembro de la pandilla de Biff. Las improvisaciones que Wilson hizo como Biff lo mantuvieron en el personaje.

La producción también pasó por algunos cambios. por ejemplo, la mascota del Doc era un mono y no un perro; la única forma de devolver a Marty a 1985 era la explosión de una prueba atómica en Las Vegas en lugar de los 1,21 jigowatts de un rayo, y la máquina del tiempo era un refrigerador. Spielberg usó últimas dos ideas para la última película de Indiana Jones.

35 años después, esta aventura sigue vigente, y en un auto que no siempre necesita… caminos.

¡Felicidades, Marty y Doc!

(Todas las imágenes son propiedad del archivo de Universal Pictures)

TV

Cuando la tele daba miedo

Por Luis Díaz.

Con las complicaciones del COVID-19, actualmente nos vemos obligados a aislarnos del mundo por nuestra propia salud, y sinceramente uno llega a preguntarse qué haríamos si no contáramos con la tecnología de los celulares, Internet, la televisión por cable… 30 años atrás, probablemente no habríamos logrado sobrevivir sin esas comodidades.

Por esta misma contingencia, la televisión abierta local se encuentra escasa de material nuevo y se ve en la obligación de “reinventarse” con material antiguo de comprobado éxito, y el canal estatal cierra sus programaciones con repeticiones de escabrosos programas como “Mea Culpa” y “El Día Menos Pensado”, historias reales de crímenes y fenómenos paranormales presentadas por Carlos Pinto, que en su época dejaban al espectador con un nudo en el cuello.

Eso me trae a la memoria algunos de los terrores más grandes de mi infancia: entre los años 80 y comienzos de los 90 era muy frecuente (y bastante sádico) que la programación televisiva terminara relativamente temprano, y más encima con material de terror que hoy en día es de culto. Ya en los 70s, nuestros padres o abuelos sufrían los horrores de la serie «Sombras Tenebrosas», «Viaje a lo Desconocido» o «Galería Nocturna», mientras que los 80s se exhibía material como «La Dimensión Desconocida», «La Casa del Terror», «Historias de Fantasmas», «Un Paso al Más Allá» y la aún efectiva miniserie «La Noche del Vampiro», entre otras. También se exhibían constantemente películas de la productora británica Hammer, trayéndonos monstruos clásicos como Drácula, Frankenstein y El Hombre Lobo, mientras que su competencia, Amicus, nos aterrorizaban con antologías como «La Bóveda del Terror», «El Club de los Monstruos» y «Cuentos de Ultratumba». Por su parte, Roger Corman nos ofrecía su colección de elegantes adaptaciones de historias de Edgar Allan Poe protagonizadas por ese gigante de la actuación llamado Vincent Price, y Dan Curtis, responsable de la ya mencionada «Sombras Tenebrosas», nos ofrecía productos como «Trilogía de Terror», «Pesadilla Diabólica» y «En lo Profundo de la Noche», con historias simples que iban escalando hasta llegar a finales memorables que nos tuvieron sin pegar un ojo en la noche. También desfilaron las primeras películas de Spielberg, como «Duelo» o «Siniestra Pesadilla», antes de alcanzar la gloria con «Tiburón».

Otros productos como «No le Temas a la Oscuridad», «La Noche de los 1000 Gatos», «Trampa para Turistas», «Hasta que la muerte», etc, eran frecuentes en «Cine de Última Función», «Cine de Trasnoche» o «Cine Nocturno». Y por supuesto, estaban las películas de la naturaleza vengándose contra el hombre: «Abejas Asesinas», «Tarántulas», «Cascabel», «El Imperio de las Hormigas», «Ranas», «La Larga Noche del Terror» (con perros rabiosos) … hasta conejos asesinos gigantes vimos por ahí. Se terminaba la tele y nos veíamos obligados a prender la radio o conversar en familia para calmar los nervios.

Ya a fines de los 80s y entrando en los 90s, vimos material más conocido, como «El Exorcista», «Viernes 13» (que rebautizaron como «Martes 13» por una cuestión cultural), «Pesadilla», «Halloween», «Poltergeist», «El Ente», etc la mayoría con tantos cortes que a veces costaba encontrarles sentido.

Eventualmente crecimos, llego el cable y las susceptibilidades cambiaron. Pero siempre voy a recordar esos terrores que hacían nuestras vidas tan entretenidas, paradójicamente hablando, en una época más simple.

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Especial: La vida escolar en la TV

Por Luis Díaz

En el artículo anterior, recordamos algunas de las películas más memorables sobre la vida escolar. Sin embargo, debemos reconocer que, por su extensión, las series de TV nos presentan personajes más interesantes, cuyas personalidades individuales logran desarrollarse más allá de las limitaciones de las producciones cinematográficas. Y al igual que en el cine, hay series televisivas que abarcan los más diversos géneros:

En comedias, tenemos algunas como «Mi Profesor Favorito», «El Profesor Drexell» y la extravagante «Parker Lewis, El Ganador». Sin embargo, entre las más destacables podemos ver “Buenos Días, Maestra”, que tras una temporada fue reinventada y se convirtió en la ya legendaria “Salvado por la Campana”, cambiando el enfoque protagónico de la profesora principal al grupo de estudiantes en su clase. Los nerds y freaks tuvieron su lugar en series como “Freaks and Geeks” y “Primer Año”. Por su parte, la serie “Sex and The City” tiene una curiosa serie-precuela en la forma de “The Carrie Diaries”, e incluso el popular “Chavo del 8” tiene varios episodios ambientados en la escuela, donde los estudiantes muchas veces acaban con la paciencia del Profesor Jirafales quien, a pesar de todo y gracias a su formación clásica, aún tiene fe en los niños. Y en los años 70, estaba “Bienvenido, Kotter”, la primera en mostrar un curso interracial y uno de los primeros trabajos de un desconocido John Travolta.

Del cine a la TV, ha habido adaptaciones de cintas como «Ni Idea», «Ferris Bueller», «Colegio de Descarriados», e inclusive del drama “Fama” (ambientado en una escuela de arte neoyorquina), que contó con 6 saludables temporadas.

En lo más misceláneo, hay series donde los protagonistas se enfrentan tanto a la vida escolar como a situaciones fuera de lo normal, como «Roswell», «Smallville» y la popular «Stranger Things», así como también productos como «Glee» e incluso series animadas como la setentera «Misión: Magia», una lisérgica producción donde vemos una clase interracial cuya profesora es, curiosamente, una bruja (buena, eso sí).

Y, ya más cercanos y realistas, no pueden faltar los dramas como “TV 101”, donde un grupo de estudiantes secundarios crean su propio programa de noticias, las conocidísimas “Beverly Hills 90210”, “The O.C.” y “Dawson’s Creek”, la cruda “13 Reasons Why”, que explora los motivos detrás del suicido de una adolescente, la setentera “Problemas de un Adolescente”, pionera en hablar directamente de temas propios de la juventud, “Los Años Maravillosos”, donde un hombre recuerda su infancia y adolescencia en los años 60, la chilena “El Reemplazante”, donde un profesor sustituto se ve enfrentado a la cruda realidad social de sus estudiantes… y por supuesto, no nos podemos olvidar de la entrañable telenovela mexicana “Carrusel” que se mantiene viva en los recuerdos de todos los que la vieron. Y finalmente, la franquicia canadiense “Degrassi”, a cuyos protagonistas vimos crecer durante 40 años (1979-2019) en cuatro series conectadas que mantenían a muchos de sus actores originales. Degrassi se caracterizó por hablar abiertamente de temas tabúes como el sexo y embarazo en la adolescencia, violencia familiar, abandono, alcoholismo y drogadicción, acoso, y muchos más. Hoy en día, es necesario tener series tan honestas como ésta.

Como escribí antes, definitivamente la etapa escolar es una de las que más nos marcan en la vida, y el material mencionado es un fiel reflejo de ello.

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Especial: Vuelta a clases en el cine

Sin dudas, una de las etapas más importantes en la vida de toda persona es la época escolar. Por eso no es raro que los colegios y universidades, la comunidad escolar son una buena e inagotable fuente de inspiración para muchas películas.

Hay casos, en que la experiencia escolar puede ser traumática, como le pasa al protagonista de “Pink Floyd: The Wall”, cuyo estricto profesor coarta su libertad creativa durante su infancia, y termina siendo un simbólico ladrillo del muro que lo aisla cada vez más del mundo. También está “Sing Street”, mezcla de comedia romántica, musical y drama que toca varios temas, siendo uno de los más interesantes el conflicto entre el protagonista y el director del colegio, un conservador sacerdote católico que lo castiga por diferentes motivos. Y por supuesto, no pueden faltar los chicos de “El Club de los Cinco” que, siendo tan diferentes, descubren que tienen mucho en común al no ser comprendidos por los adultos, ya sean sus propios padres o el director del colegio (dirigida por el fallecido John Hughes, nombre clave en la creación de algunas de las películas más famosas del cine adolescente-escolar ‘80s).

El bullying también es tema frecuente en muchas películas, pasando por diferentes casos. En “Karate Kid”, Daniel Larusso cae víctima de los Cobra Kai, un grupo de karatecas que también estudian en su colegio y que lo atacan mayormente por un tema de celos de su líder. Por su parte, el inofensivo Jerry Mitchell hace lo imposible para evitar una posible confrontación fatal con el peligroso Buddy Revell a la salida de clases en “Cita con el Peligro”, pero nada de lo que intenta resulta y el tiempo se le acaba. Y Clifford debe recurrir a medidas más drásticas y recurre a Linderman, un adolescente de mala reputación, para defenderlo del matón Moody en “Mi Guardaespaldas”. Y aunque sean comedias, las experiencias de Josie Geller en “Jamás Besada” y de los miembros de la fraternidad Lambda Lambda Lambda en “La Venganza de los Nerds” no pasan desapercibidas. Aún más lejos, las amigas Romy White y Michele Weinberger se inventan carreras exitosas para evitar las burlas de sus ex-compañeros durante una reunión en “Romy y Michele”. En cuanto al cine de terror, ya vemos qué pasa cuando una víctima constante de bullying descubre su poder justo cuando la ridiculizan durante la fiesta de graduación (Carrie). Finamente, y mucho más seria, “Elephant” de Gus Van Sant toma elementos del caso real de la masacre de Columbine High para mostrar a dos amigos que disparan contra sus compañeros y profesores tras ser víctimas de bullying por muchos años.

Muy de cerca lay discriminación que se ve en comedias como “Chicas Pesadas”, “Alguien Maravilloso”, “La Chica de Rosa”, “Soul Man”, “Napoleon Dynamite” y “Un Muchacho como Todos”, donde la joven Terry, acusando discriminación por su sexo, decide hacerse pasar por un chico para ver si sus reportajes realmente son buenos. En cintas más serias, David Greene se enfrenta al antisemitismo de sus compañeros en “Código de honor” y en la chilena “Machuca”, un proyecto para integrar estudiantes de origen humilde en un exclusivo colegio es visto con malos ojos por los apoderados, justo en los días previos al golpe de estado.

También están los profesores inspiradores, como los de “Al Maestro con Cariño”, “La Sociedad de los Poetas Muertos”, “La Sonrisa de Mona Lisa”, “En Busca del destino”, “Escritores de la Libertad”, “Escuela de Rebeldes”, “Con Ganas de Triunfar”, “Cielo de Octubre”, “Los Profesores” y “Mentes Peligrosas”, basada en un caso real. En historias más simples, tenemos comedias como “Cambio de Hábito 2”, “Escuela de Rock” y “Loca Escuela del Desorden”, que parodia a muchas de las películas mencionadas antes. Caso aparte es “El Director”, donde James Belushi interpreta al nuevo director de un colegio de malos elementos, a los que pretende eliminar a toda costa.
A nivel más existencialista, tenemos “Las Ventajas de ser Invisible”, “Rushmore” y “Con Honores”, y comedias más relajadas y absurdas como “De Vuelta al Colegio”, “Ni Idea”, “Senior Trip”, “Un Experto en Diversión” y “Escuela de Descarriados”, con Sean Penn en un papel que jamás volveremos a ver.

La lista sigue y sigue… como ya ven, mientras tengamos escuelas, estudiantes y profesores, habrá material para rato.

Jojo Rabbit

Jojo Rabbit: El lado suave de una época dura

Por Luis Díaz.

Dentro de las películas que postularon a la estatuilla por la Mejor Película de los Premios de la Academia 2020, hay una comedia que no puede pasar desapercibida, principalmente por su particular y satírica mirada al régimen nazi.

Dirigida por el cada vez más querido director y actor neozelandés Taika Waititi, responsable de obras como la entretenida “Lo Que Hacemos en Las Sombras” (“What We Do in The Shadows, 2014) y la cinta de superhéroes “Thor: Ragnarok” (2017), “Jojo Rabbit” se basa en la novela “Caging Skies” de Christine Leunen, y Taika tuvo la idea de realizar una película sobre ella tras leer el libro, que le regaló su madre. El resultado fue un Oscar al Mejor Guión Adaptado.

La historia es, por momentos, tanto absurda como cruda: en la Alemania de 1944-45, Jojo (Roman Griffin Davis) es un solitario niño de 10 años que idolatra a Adolf Hitler y a la ideología nazi, y sueña con ser parte de las juventudes hitlerianas y exterminar a los judíos, aunque nunca en su vida ha visto uno.

Dentro de su fantasía, Jojo cree que tiene más oportunidades en la vida que sus pares para ascender rangos, debido a que asume que su amigo imaginario (el propio Taika Waititi) es el espíritu del mismísimo Hitler. Sin embargo, este “amigo” es tan infantil y torpe como Jojo… e incluso quizás peor. Y las cosas se ponen más complicadas cuando descubre que su madre (Scarlett Johansson) oculta en su propio hogar a Elsa (Thomasin McKenzie), una adolescente judía, y pronto Jojo comenzará a cuestionarse sobre la realidad de las cosas que le rodean.

A Waititi le costó convencer a los estudios que le permitieran realizar una cinta que se tomara temas tan serios como el nazismo y el Holocausto para la risa. Sin embargo, “Jojo Rabbit” funciona en todos los aspectos, porque a pesar de su humor, hay espacio para el drama realista y la reflexión. Aunque no posee la intensidad de películas emblemáticas como “La Vida es Bella” (La Vita é Bella, de Roberto Benigni, 1997), “El Niño del Pijama a Rayas” (The Boy in the Striped Pajamas, de Mark Herman, 2008), “La Lista de Schindler” (Schindler’s List, Steven Spielberg, 1993) o la nunca estrenada “El Día que el Payaso Lloró” (The Day the Clown Cried) que Jerry Lewis dirigió y protagonizó en 1972, la cinta de Waititi se caracteriza por mostrarnos el lado humano y simple de una persona en un ambiente del cual no puede escapar, y en el que confía ciegamente.

Uno de los grandes aciertos de la película, es la selección de un reparto sólido y con buena química, con nombres consagrados como Scarlett Johannson, Sam Rockwell y Stephen Merchant, liderados por el debutante Roman Griffin Davis, que se comporta como todo un profesional. En particular, su química con Taika Waititi (como un torpe e inmaduro Hitler imaginario) es muy buena, y juntos nos entregan algunos de los mejores y más hilarantes momentos de la película, que en muchos momentos nos recuerdan a las más desopilantes tiras de “Calvin & Hobbes”, de Bill Watterson.

Puede que la curiosa mezcla de humor irreverente y momentos de absoluta tragedia no sean del gusto de muchos, sobre todo porque nos muestra a un grupo de personas detestables y divertidas al mismo tiempo, pero “Jojo Rabbit” funciona precisamente por su humor corrosivo, y definitivamente es una película que sí o sí hay que ver, con o sin culpas.

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Especial: Oscars 2020

Este 9 de febrero, el Dolby Theatre de Hollywood, California será la sede de la 92ª ceremonia de los Premios de la Academia, en la que se honrará a lo mejor que se vio en la pantalla grande durante el año 2019. Por esta razón, les presento un resumen de los postulantes que compiten por ganar el premio a lo mejor del año pasado: 

1- El Irlandés (The Irishman): Una historia que nos recrea la desaparición de Jimmy Hoffa, el legendario líder sindicalista de los camioneros norteamericanos, a través de los ojos del hombre que fue asignado para asesinarlo. Postula a 9 premios incluyendo Mejor Película, Mejor Director (Martin Scorsese) y Mejor Actor Secundario (Al Pacino y Joe Pesci), Mejor Guión Adaptado, Mejores Efectos Visuales, Mejor Fotografía, Mejor Montaje, Mejor Diseño de Producción y Mejor Vestuario.

2- Guasón (Joker): Una serie de tragedias personales causa el quiebre mental definitivo de Arthur Fleck, un fracasado aspirante a comediante, convirtiéndose en un peligroso criminal y también en un símbolo para todos los marginados de una sociedad discriminadora. Postula a 10 premios, incluyendo Mejor Película, Mejor Director (Todd Phillips) y Mejor Actor (Joaquin Phoenix), Mejor Guión Adaptado, Mejor Maquillaje y Peluquería, Mejor Fotografía, Mejor Montaje, Mejor Música Original, Mejor Sonido y Mejor Vestuario.

3- Contra lo Imposible (Ford V Ferrari): Basada en hechos reales. El visionario diseñador Carroll Shelby y su conductor Ken Miles construyen un revolucionario vehículo de carreras para Ford, desafiando a Ferrari en el Campeonato de Le Mans de 1966. Postula a Mejor Película, Mejor Montaje y Mejor Sonido. 

4- Jojo Rabbit: Un niño integrante de las juventudes hitlerianas (y con un Hitler muy particular como amigo imaginario) descubre que su madre oculta a una niña judía en su casa. Postula a 6 premios:  Mejor Película, Mejor Guión Adaptado (Taika Waititi) y Mejor Actriz Secundaria (Scarlett Johansson), Mejor Montaje, Mejor Diseño de Producción y Mejor Vestuario.

5- Mujercitas (Little Women): Basada en la novela de Louisa May Alcott. Jo March reflexiona momentos importantes de su vida junto a sus hermanas Amy, Beth y Meg, cada una determinada a vivir su vida según sus propios términos. Postula a 6 premios: Mejor Película, Mejor Actriz (Saoirse Ronan) y Mejor Actriz Secundaria (Florence Pugh),Mejor Guión Adaptado, Mejor Música Original y Mejor Vestuario.

6- Historia de un Matrimonio (Marriage Story): Un director de teatro y su mujer, actriz, luchan por superar un divorcio que les lleva al extremo tanto en lo personal como en lo creativo. Postula a 6 premios: Mejor Película, Mejor Actriz (Scarlett Johansson) y Mejor Actor (Adam Driver), Mejor Guión Adaptado, Mejor Música Original y Mejor Actriz Secundaria (Laura Dern).

7- 1917: Una mirada al día de dos jóvenes soldados británicos durante la parte más cruda de la Primera Guerra Mundial. Postula a 9 premios: Mejor Película, Mejor Director (Sam Mendes) y Mejor Guión Original (Sam Mendes y Krysty Wilson-Cairns), Mejor Maquillaje y Peluquería, Mejores Efectos Visuales, Mejor Fotografía, Mejor Diseño de Producción, Mejor Música Original y Mejor Sonido.

8- Había una vez en… Hollywood (Once Upon a Time… in Hollywood): Un actor de televisión desvaído y su doble se esfuerzan por alcanzar la fama y el éxito en la industria del cine durante los últimos años de la Edad de Oro de Hollywood en Los Ángeles en 1969. Postula a 9 premios: Mejor Película, Mejor Director (Quentin Tarantino), y Mejor Actor (Leonardo DiCaprio), Mejor Guión Original, Mejor Fotografía, Mejor Diseño de Producción, Mejor Actor Secundario (Brad Pitt),  Mejor Sonido y Mejor Vestuario.

9- Parásitos (Gisaengchung): La gran sorpresa del 2019, directo desde Corea del Sur. Una familia sin trabajo desempleada se infiltra en la casa de una familia adinerada y glamorosa como empleados sin conexión entre ellos, con resultados completamente imprevisibles. Postula a 6 premios:  paralelamente a Mejor Película y Mejor Película Extranjera, Mejor Director (Bong Joon Hoo) y Mejor Guión Original (Bong Joon Hoo y Han Jin Won), Mejor Montaje y Mejor Diseño de Producción.

Otros postulantes:

A Mejor Actriz: Cynthia Erivo (Harriet), Charlize Theron (El Escándalo / Bombshell) y Renée Zellweger (Judy)

A Mejor Actor: Antonio Banderas (Dolor y Gloria / Pain and Glory) y Jonahan Pryce (Los Dos Papas / The Two Popes)

A Mejor Guión Original: Entre Navajas y Secretos (Knives Out, de Rian Johnson)

A Mejor Guión Adaptado: Los Dos Papas (Anthony McCarten)

A Mejor Canción Original: I Can’t Let You Throw Yourself Away (Toy Story 4), (I’m Gonna) Love Me Again (Rocketman), I’m Standing With You (Un Amor Inquebrantable/ Breakthrough), Into the Unknown (Frozen II) y Stand Up (Harriet)

A Mejor Película Animada:  Cómo Entrenar a tu Dragón 3 (How to Train Your Dragon: The Hidden World, de Dean DeBlois, Bradford Lewis y Bonnie Arnold), Perdí Mi Cuerpo (J’ai Perdu Mon Corps, de Jérémy Clapin y Marc Du Pontavice), Klaus (Sergio Pablos, Jinko Gotoh y Marisa Román), Sr. Link (Missing Link, de Chris Butler, Arianne Sutner y Travis Knight) y Toy Story 4 (Josh Cooley, Mark Nielsen y Jonas Rivera)

A Mejor Maquillaje y Peluquería: El Escándalo /Bombshell (Kazu Hiro, Ann Morgan y Vivian Baker), Judy (Jeremy Woodhead) y Maléfica: Dueña del Mal /Maleficent: Mistress of Evil (Paul Gooch, Arjen Tuiten y David White)

A Mejores Efectos Visuales: Avengers: Endgame (Dan DeLeeuw, Russell Earl, Matt Aitken y Dan Sudick), El Rey León/The Lion King  (Robert Legato, Adam Valdez, Andrew R. Jones y Elliot Newman) y Star Wars: El Ascenso de Skywalker/ Star Wars: Rise of Skywalker (Roger Guyett, Neal Scanlan, Patrick Tubach y Dominic Tuohy).

A Mejor Fotografía: El Faro /The Lighthouse (Jarin Blaschke)

A Mejor Película Extranjera: Corpus Christi (Polonia), Honeyland (República de Macedonia), Los Miserables / Les Misérables (Francia) y Dolor y Gloria/ Pain and Glory (España)

A Mejor Actor Secundario: Tom Hanks (Un Buen Día en el Vecindario/ A Beautiful Day in the Neighborhood) y Anthony Hopkins (Los Dos Papas/ The Two Popes).

A Mejor Música Original: Star Wars: El Ascenso de Skywalker / Star Wars: Rise of Skywalker (John Williams)

A Mejor Sonido: Ad Astra (Gary Rydstrom, Tom Johnson y Mark Ulano).

A Mejor Actriz Secundaria: Kathy Bates (Richard Jewell) y Margot Robbie (El Escándalo /Bombshell) 

A Mejor Documental: Para Sama (For Sama, de Waad Al- Kateab y Edward Watts), American Factory de Steven Bognar y Julia Reichert, Honeyland de Tamara Kotevska y Ljubomir Stefanov, La Democracia en Peligro (The Edge of Democracy, de Petra Costa) y The Cave de Feras Fayyad.

A Mejor Cortometraje de Ficción: Brotherhood de Meryam Joobeur, Nefta Football Club de Yves Piat, The Neighbors’ Widow de Marshall Curry, Saria de Bryan Buckley y Une Soeur (A Sister, de Delphine Girard).

A Mejor Cortometraje Documental: In The Absence de Seung Jun-Yí , Learning to Skateboard in a Warzone (If You’re a Girl) de Carol Dysinger, Life Overtakes Me de John Haptas y Kristine Samuelson, St. Louis Superman de Sami Khan y Smriti Mundhra y Walk Run Cha-Cha de Laura Nix.

Mejor Cortometraje de Animación: Dcera (Daughter, de Daria Kascheeva), Hairlove (Matthew A. Cherry, Everett Downing Jr. Y Bruce W. Smith), Kitbull (Rosana Sullivan), Memorable (Bruno Collet) y Sister (Siqi Song).

Los injustamente Olvidados:

Mejor Película: Ad Astra, El Faro (The Lighthouse), Judy, El Escándalo (Bombshell), Rocketman, Los Dos Papas (The Two Popes), Entre Navajas y Secretos (Knives Out).

Mejor Actor: Brad Pitt (Ad Astra), Taron Egerton (Rocketman), Robert De Niro (El Irlandés/ The Irishman), Christian Bale (Contra lo Imposible/ Ford V Ferrari)

Mejor Actriz: Nicole Kidman (El Escándalo /Bombshell), Ana de Armas (Entre Navajas y Secretos/ Knives Out), Margot Robbie (Había una Vez en… Hollywood /Once Upon a Time… in Hollywood).

Mejor Actor Secundario: Taika Waititi (Jojo Rabbit), Daniel Craig (Entre Navajas y Secretos/ Knives Out)

Mejor Actriz Secundaria: Frances Conroy (Guasón/ Joker), Jamie Lee Curtis (Entre Navajas y Secretos / Knives Out)

Mejor Director: Taika Waititi (Jojo Rabbit), Rober Eggers (El Faro/ The Lighthouse), Greta Gerwig (Mujercitas/ Little Women), Pedro Almodóvar (Dolor y Gloria / Pain and Glory), Rian Johnson (Entre Navajas y Secretos /Knives Out)

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The Mandalorian: un western en una galaxia muy, muy lejana…

Cuando George Lucas creó Star Wars en 1977, no se imaginaba el impacto cultural que tendría su épica saga espacial, ni lo lejos que habría llegado con secuelas, spin-offs, comics, juegos de video, series de TV y otros productos que, a esta altura, ya escapan del control del buen hombre, quien originalmente solo quería hacer una película de Flash Gordon y, al serle negada esa oportunidad, tuvo que partir de cero (un caso parecido fue con Sam Raimi y Darkman, un héroe que tuvo que crear en 1990 al no poder desarrollar su propia película de The Shadow, pero eso ya es otra historia).

Al cerrar con El Regreso del Jedi en 1983, el público siguió esperando por muchos años más aventuras de Luke Skywalker y compañía, sobretodo porque Lucas había declarado en un momento que su intención era completar una saga de 9 películas en total, pero que aún no disponía de la tecnología para realizarlas. 36 años después, el mundo ha estado expuesto a un total de 11 películas (una duodécima a estrenarse en diciembre) y un puñado de series animadas. Pero, definitivamente, el gran producto que dará mucho que hablar, es la primera serie de TV de Star Wars: The Mandalorian, la primera serie con actores reales y que inauguró oficialmente la plataforma Disney+ el 12 de noviembre de este año.

Mientras el material anterior de Star Wars se inspira principalmente en historias de corte medieval-japonés, The Mandalorian es un poco más “occidental” y nos presenta un producto claramente con raíces en el spaghetti western italiano, con un personaje principal tan misterioso, intrigante y desconocido como el Hombre sin Nombre que Clint Eastwood interpretó muchas veces, sobretodo en las películas de Sergio Leone, además de parajes desolados, tiroteos, riñas en cantinas y todos esos elementos tan propios de las más clásicas películas de vaqueros.

Creada, escrita y producida por el infatigable Jon Favreau (Iron Man), la serie nos muestra la historia de un soldado mandaloriano, con un trágico pasado que oficia como cazador de recompensas (ojo, NO ES Boba Fett), lejos de la autoridad de la Nueva República, formada tras los eventos de El Regreso del Jedi y antes de la aparición de la Primera Orden. El reparto incluye al actor chileno Pedro Pascal en el rol principal, mientras que otros papeles son interpretados por actores de la talla de Carl Weathers (el legendario Apollo Creed de las películas de Rocky), Werner Herzog, Gina Carano, Giancarlo Esposito y las voces de Nick Nolte (como Kuill, un pacífico granjero ugnaught) y Taika Waititi como IG-11, un androide cazador de recompensas con un curioso sentido del deber. En el piloto también aparece otro actor chileno, el comediante Horatio Sanz, que interpreta a uno de los objetivos del cazador.

Sin lugar a dudas, The Mandalorian llega para convertirse en un nuevo clásico entre los fans de Star Wars, que la amarán con todos sus guiños y referencias a la saga original. Ojo, que el hecho de que se aun producto de Disney no la exime de sus pequeñas dosis de violencia. Ah y atentos con la sorpresa del episodio piloto.

¡Disfruten y que la Fuerza les acompañe!

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